Ya hemos diferenciado hasta la saciedad las cámaras de los smartphones (que han ganado bastante en rendimiento y calidad) y las cámaras profesionales. Si bien ningún entusiasta serio de la fotografía se va a conformar sólo con un smartphone para capturar su entorno, hay fotos tomadas con móviles que son muy notables.
Hay un evento dedicado exclusivamente a evaluar y galardonar fotografías tomadas con el iPhone, los iPhone Photography Awards (IPPA) que publicaron recientemente los resultados del concurso 2017. Veamos los resultados.
IPPA 2017
Ganador del Gran Premio IPPAWARDS 2017 Sebastiano Tomada, Brooklyn, New York iPhone 6S
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Children of Qayyarah
“Niños recorren las calles de Qayyarah cerca del fuego y el humo de los pozos petroleros destruidos por militantes de ISIS.”
1er Lugar, Photographer of the Year Brendan O Se, Cork, Ireland iPhone 6s
Dock Worker
“Tomé esta foto en mi recorrido mañanero, muy temprano, por los muelles de Jakarta en Abril de 2016. Eran las manos de un estibador que estaba tomándose un reposo. Quedé impresionado con la textura creada por el sucio acumulado en sus manos".
2do Lugar, Photographer of the YearYeow-Kwang Yeo, Singapore
iPhone 6 Plus
The Performer
“La Ópera china tradicional de calle es parte de su cultura. Desafortunadamente la generación joven en Singapur no está interesada en ella, luego la ópera de calles está despareciendo. En vez de fotografiar el espectáculo, decidí ir tras bastidores y me di cuenta de este performer que está tomando un corto receso y esperando su turno para actuar. Me atrajo la luz en la vieja cortina de plástico, el ventilador y la atmósfera de calma reinante".
3er lugar, Photographer of the Year Kuanglong Zhang. Shenzhen, China iPhone 7
The City Palace
“Udaipur es una de las ciudades más románticas de la India. En el City Palace, capturé el momento en que uno de los empleados contemplaba a través de la ventana como si estuviera viendo el lento período histórico de construcción del Palacio".
Soñar, ese proceso mental involuntario que nos sumerge en una realidad virtual formada por imágenes, sonidos, pensamientos y sensaciones derivados directamente de la memoria inmediata o anterior, es el recurso escogido por el autor para pasar de un plano a otro en este cuento.
La noche boca arriba
Julio Cortázar
Y salían en ciertas épocas a cazar enemigos;
le llamaban la guerra florida.
A mitad del largo zaguán del hotel pensó que debía ser tarde y se apuró a salir a la calle y sacar la motocicleta del rincón donde el portero de al lado le permitía guardarla. En la joyería de la esquina vio que eran las nueve menos diez; llegaría con tiempo sobrado adonde iba. El sol se filtraba entre los altos edificios del centro, y él -porque para sí mismo, para ir pensando, no tenía nombre- montó en la máquina saboreando el paseo. La moto ronroneaba entre sus piernas, y un viento fresco le chicoteaba los pantalones. Dejó pasar los ministerios (el rosa, el blanco) y la serie de comercios con brillantes vitrinas de la calle Central. Ahora entraba en la parte más agradable del trayecto, el verdadero paseo: una calle larga, bordeada de árboles, con poco tráfico y amplias villas que dejaban venir los jardines hasta las aceras, apenas demarcadas por setos bajos. Quizá algo distraído, pero corriendo por la derecha como correspondía, se dejó llevar por la tersura, por la leve crispación de ese día apenas empezado. Tal vez su involuntario relajamiento le impidió prevenir el accidente. Cuando vio que la mujer parada en la esquina se lanzaba a la calzada a pesar de las luces verdes, ya era tarde para las soluciones fáciles. Frenó con el pie y con la mano, desviándose a la izquierda; oyó el grito de la mujer, y junto con el choque perdió la visión. Fue como dormirse de golpe. Volvió bruscamente del desmayo. Cuatro o cinco hombres jóvenes lo estaban sacando de debajo de la moto. Sentía gusto a sal y sangre, le dolía una rodilla y cuando lo alzaron gritó, porque no podía soportar la presión en el brazo derecho. Voces que no parecían pertenecer a las caras suspendidas sobre él, lo alentaban con bromas y seguridades. Su único alivio fue oír la confirmación de que había estado en su derecho al cruzar la esquina. Preguntó por la mujer, tratando de dominar la náusea que le ganaba la garganta. Mientras lo llevaban boca arriba hasta una farmacia próxima, supo que la causante del accidente no tenía más que rasguños en la piernas. “Usté la agarró apenas, pero el golpe le hizo saltar la máquina de costado…”; Opiniones, recuerdos, despacio, éntrenlo de espaldas, así va bien, y alguien con guardapolvo dándole de beber un trago que lo alivió en la penumbra de una pequeña farmacia de barrio.
John McLaughlin, Paco DeLucia, Al DiMeola - Friday Night in San Francisco (Full Album ) 1981
Friday Night In San Francisco es un álbum publicado por el trío de guitarras formado por tres gigantes de este instrumento: Al Di Meola, John McLaughlin y Paco de Lucía. Fue grabado en San Francisco el viernes 5 de diciembre de 1980 en el Warfield Theatre.
Suelto y espontáneo, este álbuem reúne a tres de los más grandes guitarristas en una cumbre acústica exclusiva e irrepetible pues los tres están en el tope de sus habilidades tanto como ejecutantes como en la habilidad para improvisar.
En la primera pista Al di Meola y Paco de Lucía hacen un dueto para interpretar un potpourri de la melodía de di Meola "Mediterranean Sundance" (grabada por primera vez por ellos dos en el clásico álbum de di Meola's Elegant Gypsy) y la pieza de de Lucía "Rio Ancho." La digitación de algunos pasajes es tan vertiginosa que fue calificada por un crítico como "inhumana".
Uno de los elementos distintivos de este primer dúo, es que los guitarristas evidentemente dan lo mejor de sí cuando acompañan al solista, pero van más allá de melodías armónicas; cuando emprenden pasajes de percusión, puro ritmo atonal como imitando la caja de percusión flamenca. El mismo recurso lo emplean di Meola y John McLaughlin's cuandp interpretan la pieza de Chick Corea's "Short Tales of the Black Forest."
La únca pieza que no pertenece al concierto en vivo es "Guardian Angel" (inspirada en la melodía homónima que aparece en el disco de McLaughlin de 1978 Electric Dreams). La melodía es de una rara belleza y tiene uno de los mejores solos del album.
Tracks:
Mediterranean Sundance/Rio Ancho
Short Tales of the Black Forest
Frevo Rasgado
Fantasia Suite
Guardian Angel
Paco de Lucía, John Mclaughlin, al di Meola. The Guitar Trio. 1996.
El flamenco no es una pieza improvisada ahí todo está ensayado, cada falseta, cada paso de baile, aunque pueda parecer espontáneo se basa en una concienzuda preparación.
Los flamencos no son amigos de la improvisación en sus actuaciones ante el público, solo el baile deja un pequeño hueco, pero en el cante y, sobre todo la guitarra, no hay sitio para la improvisación.
Esto es algo que sabe bien Paco de Lucía, que se preocupó de aprender los trucos de la improvisación para ponerlos en práctica, primero junto a McLaughlin y Di Meola y después en su propia música.
En una entrevista que Paco de Lucía concedió a Miriam Davison declaraba a este respecto: “Yo pensé que la mejor forma de aprender era reuniéndome con músicos, por ejemplo de jazz, que es gente muy a la vanguardia armónicamente. Como siempre fui curioso e inquieto… yo nunca pretendí dejar de ser un flamenco ni dedicarme a tocar jazz ni nada de eso, yo iba con la idea muy clara de que iba a aprender para luego traerlo de nuevo a mi flamenco y tratar de crecer de alguna manera”.
Tracks
00:00 La estiba
05:50 Beyond the miracle
12:00 Midsummer night
16:37 Manhã de carnaval
22:52 Letter from india
26:47 Espiritu
32:17 Le monastere dans le montagne
38:32 Azzura
46:30 Cardeosa
Quince años antes de esta grabación habían hecho Friday Night In San Francisco 1980, grabado en vivo se convirtió en un clásico en jazz entonces. The Guitar Trio se grabó en los estudios de Peter Gabriel Real World.
Es un álbum, en contraste con el anterior, más introspectivo, más reflexionado, aunque tienen en común el enorme número de notas por segundo. La declaración del virtuosismo es muy similar a la que caracteriza en general este exitoso experimento.
A excepción de Manha de Carnaval el resto de los números corresponden al repertorio particular de cada uno de los guitarristas. Ninguno de los tres se alza como líder, cada uno tiene su papel y los solo están bien distribuidos, a fin de que no destaque un por encima de los otros, siguiendo un estricto turno para realizarlos, mientras los otros realizan el acompañamiento.
Se trata de una conversación entre tres buenos amigos que se conocen a la perfección. En este sentido, Paco afirma: “En mis trabajos con Larry Coryell, John McLaughlin o Al Di Meola la música no era flamenco ni jazz, era un fusión de músicos que no de músicas”.
Adolfo Bioy Casares y Jorge Luis Borges hicieron juntos una larga compilación de relatos breves que arreglaron en un libro bajo el nombre de “Cuentos breves y extraordinarios” en el que exploraron las literaturas del planeta a través de sus historias más concisas. Las mayoría de las narraciones que están a continuación corresponde a ese libro. Carecen de moraleja y no quieren dar lecciones, pero ojalá te dejen pensando al menos por un instante.
1. Sueño de la mariposa. Chuang Tzu
Chuang Tzu soñó que era una mariposa. Al despertar ignoraba si era Tzu que había soñado que era una mariposa o si era una mariposa y estaba soñando que era Tzu.
2. Temor de la cólera. Por Ah’med el Qalyubi
En una de sus guerras, Alí derribó a un hombre y se arrodilló sobre su pecho para decapitarlo. El hombre le escupió en la cara. Alí se incorporó y lo dejó. Cuando le preguntaron por qué había hecho eso, respondió:
-Me escupió en la cara y temí matarlo estando yo enojado. Sólo quiero matar a mis enemigos estando puro ante Dios.
3. Polemistas. Por Luis Antuñano
Varios gauchos en la pulpería conversan sobre temas de escritura y de fonética. El santiagueño Albarracín no sabe leer ni escribir, pero supone que Cabrera ignora su analfabetismo; afirma que la palabra trara* no puede escribirse. Crisanto Cabrera, también analfabeto, sostiene que todo lo que se habla puede ser escrito.
-Pago la copa para todos -le dice el santiagueño- si escribe trara.
-Se la juego -contesta Cabrera; saca el cuchillo y con la punta traza unos garabatos en el piso de tierra.
De atrás se asoma el viejo Álvarez, mira el suelo y sentencia:
-Clarito, trara.
* Trara: Trípode de hierro
4. Mensaje. Por Thomas Bailey Aldrich
Una mujer está sentada sola en una casa. Sabe que no hay nadie más en el mundo: todos los otros seres han muerto. Golpean a la puerta.
5. Historia de Cecilia. Por Cicerón
He oído a Lucio Flaco, sumo sacerdote de Marte, referir la historia siguiente: Cecilia, hija de Metelo, quería casar a la hija de su hermana y, según la antigua costumbre, fue a una capilla para recibir un presagio. La doncella estaba de pie y Cecilia sentada y pasó un largo rato sin que se oyera una sola palabra. La sobrina se cansó y le dijo a Cecilia:
-Déjame sentarme un momento.
-Claro que sí, querida -dijo Cecilia-; te dejo mi lugar.
Estas palabras eran el presagio, porque Cecilia murió en breve y la sobrina se casó con el viudo.
6. La sentencia. Por Wu Ch’eng-en
Aquella noche, en la hora de la rata, el emperador soñó que había salido de su palacio y que en la oscuridad caminaba por el jardín, bajo los árboles en flor. Algo se arrodilló a sus pies y le pidió amparo. El emperador accedió; el suplicante dijo que era un dragón y que los astros le habían revelado que al día siguiente, antes de la caída de la noche, Wei Cheng, ministro del emperador, le cortaría la cabeza. En el sueño, el emperador juró protegerlo.
Al despertarse, el emperador preguntó por Wei Cheng. Le dijeron que no estaba en el palacio; el emperador lo mandó buscar y lo tuvo atareado el día entero, para que no matara al dragón, y hacia el atardecer le propuso que jugaran al ajedrez. La partida era larga, el ministro estaba cansado y se quedó dormido.
Un estruendo conmovió la tierra. Poco después irrumpieron dos capitanes, que traían una inmensa cabeza de dragón empapada en sangre. La arrojaron a los pies del emperador y gritaron:
-¡Cayó del cielo!
Wei Cheng, que había despertado, la miró con perplejidad y observó:
-Qué raro, yo soñé que mataba a un dragón así.
7. Tranvía. Por Andrea Bocconi
Por fin. La desconocida subía siempre en aquella parada. “Amplia sonrisa, caderas anchas… una madre excelente para mis hijos”, pensó. La saludó; ella respondió y retomó su lectura: culta, moderna.
Él se puso de mal humor: era muy conservador. ¿Por qué respondía a su saludo? Ni siquiera lo conocía.
Dudó. Ella bajó.
Se sintió divorciado: “¿Y los niños, con quién van a quedarse?”
8. El dinosaurio. Por Augusto Monterroso.
Cuando despertó, el dinosuario todavía estaba allí.
Georg Friedrich Händel; en inglés George Frideric Handel (Halle, Brandeburgo-Prusia, 23/02/1685--14/04/1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las figuras cumbre de la música del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.
Su legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo xviii, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios (entre ellos El Mesías) y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.
A los 20 años viaja de Alemania a Italia y compone sus primeras óperas, regresa a Alemania por un breve período y en 1712 se establece en Inglaterra. Recibió un salario anual de 200 libras de la reina Ana, después de que hubiera compuesto para ella Utrecht Te Deum and Jubilate, interpretado por primera vez en 1713.
Después de diversas obras para otros mecenas, compone en julio de 1717, hace exactamente 300 años su obra Water Music, concebida para ser ejecutada navegando sobre el Támesis. El compositor se convirtió en súbdito británico por naturalización en 1727. En ese momento cambió su nombre a «George Frideric Handel».
En 1749 compone una obra de escenografía majestuosa Música para los Fuegos Artificiales Reales. Fue hecha por encargo de Jorge II de Gran Bretaña para acompañar a los fuegos artificiales que tuvieron lugar en Green Park, Londres, el 27 de abril de ese año.
Música Acuática y Música para los Fuegos de Artificio Reales
Fueron los oratorios los que dieron más prestigio a Handel, especialmente porque sustituyó a los solistas italianos por ingleses, y además en la producción de éstos, Handel aplicó otros ahorros: Las obras se interpretaban sin trajes ni acción y los cantantes aparecían con su propia ropa. Su obra más famosa, el oratorio El Mesías con su coro «Aleluya», es una de las obras más populares de la música coral y se ha convertido en la pieza central de la temporada navideña.
Haendel murió siendo venerado por los ingleses; fue sepultado con los honores debidos en la Abadía de Westminster, panteón de los hombres más célebres de Inglaterra. A comienzos de abril de 1759 dirigiendo su oratorio El Mesías se sintió mal. Terminado el concierto se desmayó y llevado presurosamente a su casa se lo acostó; nunca más volvió a levantarse. Su último deseo fue morir el Viernes Santo y a punto estuvo de cumplirse: falleció el 14 de abril de 1759, Sábado Santo. Con él desaparecía un gigante de la música, como pocos han existido en el ámbito de tan compleja y a la vez sublime actividad humana.
La música del genio de Salzsburgo reinterpretada con los músicos del Nilo. Del misticismo de las catedrales centroeuropeas al misterio de los templos de los faraones... Mozart en Egipto.
Con este sugerente título, el francés Hughes de Courson presenta una fantasía musical que une las composiciones de Mozart a las melodías orientales árabes. Dos mundos obligados a entenderse en tiempos de globalización, muestran su afinidad en este trabajo.
Para ello, de Courson recurre a un ejército de músicos occidentales y orientales, repartidos en una orquesta sinfónica, obviamente con instrumentos occidentales, centenarios, y a un Ensemble de músicos árabes, naturalmente con instrumentos tradicionales, milenarios, para plasmar maravillas.
El disco transcurre en un vuelo como en alfombra mágica, con instrumentos que hacen cobrar vida a distintas partituras mozartianas en una fusión tal, que por momentos no se sabe si lo que suena es Mozart o es música árabe.
Un disco que en estos tiempos de desencuentros interculturales convendría rescatar para mostrar lo posible que es la convivencia entre culturas. El sonido de instrumentos típicos orientales se fusionan con las notas originales de Mozart. Son composiciones clásicas tradicionales que no pierden su esencia aunque se las interprete con una nueva instrumentación.
Mozart en el Caribe
Dos músicos de la Orquesta Sinfónica de Dresde, Alemania, y dos percusionistas cubanos formaron el grupo Klazz Brothers (Klassic + Jazz) que grabó un conjunto de discos de fusión de música clásica, jazz y son cubano.
Aquí se ofrecen varios de Mozart meets Cuba y de otras grabaciones del grupo.
Sarah Lois Vaughan (Newark, Nueva Jersey, 27 de marzo de 1924-Los Ángeles, California, 3 de abril de 1990), conocida como Sarah Vaughan y apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, es considerada por muchos una de las más importantes e influyentes voces femeninas del género.
La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad.
Sarah Vaughan fue de los primeras vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.
Sarah Vaughan with Clifford Brown
Tracks
Lullaby of Birdland 00:00
April in Paris 04:00
He's my guy 10:20
Jim 14:32
You're not the kind 20:24
Embraceable you 25:07
I'm Glad There Is You 30:01
September Song 35:15
It's Crazy 41:05
Clifford Brown (Wilmington, 30 de octubre de 1930 - Pennsylvania, 26 de junio de 1956), trompetista estadounidense de jazz.
Fallecido en accidente de tráfico a los 25 años, Brown, no obstante, es una de las figuras más destacables del bebop y del hardbop, a la altura de otros trompetistas como Miles Davis y Dizzy Gillespie.
La trompeta de Clifford Brown tiene un fuerte tono cálido, con perceptibles reminiscencias del bop de Fats Navarro, y un maduro sentido de la improvisación: Brown es inventivo tanto en las baladas melódicas como en las más exigentes jam sessions.
Brazilian Romance
"Brazilian Romance" es un álbum de estudio de 1987 de Sarah Vaughan, su último trabajo aunque contribuyó en 1989 con el trabajo de 1989 de Quincy Jones Back on the Block.
Brazilian Romance fue su tercer álbum de música brasileña después de Copacabana (1979) y I Love Brazil! (1977). Vaughan fue nominada para el Grammy Award for Best Jazz Vocal Performance, Female en el 30th Annual Grammy Awards por su performance en este álbum.
Tracklist
01. Make This City Ours Tonight (T.Mann/M.Nascimento)...(00:00)
02. Romance (Danilo Caymmi /T.Mann/P.C.Pinheiro)...(02:59)
03. Love And Passion (T.Mann/M.Nascimento)...(06:32)
04. So Many Stars (A.&M.Bergman/S.Mendes)...(10:32)
05. Photograph (D.Caymmi/T.Mann/P.C.Pinheiro)...(14:43)
06. Nothing Will Be As it Was (R.Bastos/M.Nascimento)...(17:17)
07. It's Simple (D.Caymmi/T.Mann/P.C.Pinheiro)...(22:04)
08. Obsession (D.Caymmi/T.Mann/G.Peranzzetta)...(25:06)
09. Wanting More (F.Leoporace/T.Mann)...(28:17)
10. Your Smile (D.Caymmi/P.C.Pinheiro/I.Wolf)...(32:14).
I love Brasil
Tracks
1 If You Went Away (Preciso Aprender A Ser So)
2 Triste
3 Roses And Roses (Das Rosas) With Dorival Caymmi.
4 Empty Faces (Vera Cruz)
5 I Live To Love You (Morrer De Amor)
6 The Face I Love (Seu Encanto)
7 Courage (Coragem)
8 The Day It Rained (Chuva)
9 A Little Tear (Razao De Viver)
10 Like A Lover (Cantador)
11 Bridges (Travessia)
12 Someone To Light Up My Life (Se Todos Fossem Iguais A Voce)
13 I want you (She's so heavy) - Bonus track
Acoustic Bass – Claudio Bertrami, Sergio Barroso
Acoustic Guitar – Helio Delmiro
Piano – Edson Frederico
Bass [Fender] – Novelli
Drums – Wilson Das Neves
Flute – Danilo Caymmi, Paulo Jobim
Guitar [Fender] – Nelson Angelo
Harmonica – Mauricio Einhorn
Percussion – Ariovaldo, Chico Batera
Piano [Fender], Organ – Jose Roberto Bertrami
Piano [Yamaha] – Antonio Carlos Jobim
Vocals – Danilo Caymmi
Vocals, Acoustic Guitar – Milton Nascimento
Written By – Antonio Carlos Jobim, Gene Lees, Vinicius De Moraes
1. The Köln Concert - Part I - 0:00
2. The Köln Concert - Part IIa - 16:15
3. The Köln Concert - Part IIb - 41:15
4. The Köln Concert - Part IIc - 1:00:35
Keith Jarret (Pensilvania, USA, 1945) ha logrado gandes éxitos como pianista tanto en música clásica como en jazz. Sus famosos conciertos de piano solo en vivo, totalmente improvisados, le han llevado a ser una figura de culto dentro del jazz.
Dice el diario español El País: "Keith Jarrett ha atravesado varias veces la barrera del género para instituirse en un artista transfronterizo, ejemplo de lo cual es su obra más celebrada: The Köln Concert, uno de los álbumes de jazz más vendidos de la historia, con más de tres millones y medio de ejemplares despachados. El pasado 24 de enero se cumplieron 42 años de su grabación: “¿Es jazz o no es jazz?... ese no es el tipo de cuestiones que uno se plantea cuando se sienta delante de un piano y no tiene la más remota idea de lo que va a tocar”".
Estos conciertos de piano solo comenzaron en 1973 con "Solo Concerts: Bremen/Lausanne" (1973), al cual la revista Time le dio su galardón 'Jazz Album of the Year'. Luego vinieron The Köln Concert (1975), el best-selling de piano en la historia; y los Sun Bear Concerts (1976) – una colección de 10-LP (presentada luego como una caja de 6-CD). Hay otra improvisación de piezas cortas, Dark Intervals (1987, Tokyo).
En 1990 retomó los conciertos con Paris Concert (1990), Vienna Concert (1991), and La Scala (1995). Estos tres tienden a ser más influenciados por la música clásica y reflejan su interés en compositores como Bach y Shostakovich.
Jarret comenta en las notas del CD del concierto de Viena que esa performance fue "su mayor logro y la realización de todo lo que él quería alcanzar". Este comentario de hace mucho más notorio cundo se le compara a lo que pensaba de su concierto en Colonia, el más popular. Ese concierto de Colonia casi no se realiza, no tenía el piano que había pedido y no consideraba que había algo de extraordinario en su performance.
También soy muy apreciadas las grabaciones que hizo Jarret con un trío de jazz de temas que han tenido impacto en esa música, denominados "standards":
Keith Jarrett Trio - Standards Live'85
Standars I
"All of You" (Cole Porter) - 00:00-8:16
"Little Girl Blue" (Lorenz Hart, Richard Rodgers) - 8:16-6:44
"Just in Time" (Betty Comden, Adolph Green, Jule Styne) - 15:00-11:04
"Old Folks" (Willard Robison) - 10:42
"Love is a Many-Splendored Thing" (Sammy Fain, Paul Francis Webster) - 36:04-7:26
"Dedicated to You" (Sammy Cahn, Saul Chaplin, Hy Zaret) - 43:30-12:19
"I Hear a Rhapsody" (Jack Baker, George Fragos, Dick Gasparre) - 55:49-10:57
"How About You?" (Ralph Freed, Burton Lane) - 1:06:46-5:55
Recorded in concert at the Konserthuset in Oslo, Norway on October 7, 1989
Las Danzas Polovtsianas de Alexander Borodin (1833-1887) es la pieza más conocida de su ópera Principe Igor que, por cierto, fue concluida por Rimsky-Korsakov y Glazunov porque Borodín murió de un ataque cardíaco antes de terminarla.
El libreto se inspira en el “Cantar de las huestes de Ígor” que narra el ataque del principe Igor a los Polovtsianos. Estos son un pueblo nómada musulmán de las estepas que tuvieron mucho protagonismo en la historia de Rusia y que se extendían desde el Volga hasta el Danubio.
Las Danzas Polovtsianas discurren el el acto segundo de la ópera pero es muy frecuente interpretarla en conciertos de forma aislada.
Va, pensiero es el coro del tercer acto de La ópera Nabucco de Giuseppe Verdi, creada en 1842 con letra de Temistocle Solera, inspirada en el Salmo 137 Super flumina Babylonis.
Canta la historia del exilio hebreo en Babilonia tras la pérdida del Primer Templo de Jerusalén. Este coro le dio fama a Verdi.
La canción, cuyo tema es el exilio y que expresa nostalgia por la tierra natal, así como la frase «Oh mia patria sì bella e perduta!» (en italiano, «¡Oh patria mía, tan bella y perdida!») resonaba en el corazón de muchos italianos.
La canción de Boney M, Rivers of Babylon también está inspirada en el Salmo 137.
Va, pensiero, sull'ali dorate;
va, ti posa sui clivi, sui colli,
ove olezzano tepide e molli
l'aure dolci del suolo natal!
Del Giordano le rive saluta,
di Sionne le torri atterrate...
Oh mia patria sì bella e perduta!
Oh membranza sì cara e fatal!
Arpa d'or dei fatidici vati,
perché muta dal salice pendi?
Le memorie nel petto raccendi,
ci favella del tempo che fu!
O simile di Sòlima ai fati
traggi un suono di crudo lamento,
o t'ispiri il Signore un concento
che ne infonda al patire virtù.
che ne infonda al patire virtù
che ne infonda al patire virtù
al patire virtù!
