lunes, 4 de septiembre de 2017

Beethoven inagotable

La denominada industria cultural es criticada frecuentemente por ofrecer sólo fragmentos de la obra de los grandes compositores. Argumentan los críticos que la divulgación de la música académica está regida por el interés comercial y que en la oferta dirigida al gran público se fragmentan las grandes obras y se presentan porciones aisladas de éstas, preferiblemente las más fáciles de escuchar, lo que impide una percepción completa del compositor.

Este reduccionismo de la industria cultural puede justificarse en nombre de un estrategia de acercamiento gradual de las audiencias a la complejidad de las obras maestras. Los amantes de la ópera que pueden disfrutar de más de cuatro horas de una representación de una ópera de Wagner, por ejemplo, son una minoría entre los interesados en la música académica. Son pocos los que adquieren las operas completas que normalmente requieren un estuche de CDs.

Y, por otro lado, hay criterios pragmáticos: Cuando Philips estaba desarrollando el prototipo del reproductor de CD, preguntó al entonces director de la Filarmónica de Berlín, Herbert Von Karajan, cuál debería ser la duración de un disco compacto. Sin pensarlo mucho, el afamado conductor dijo: "74 minutos, para que pueda contener contener la Novena Sinfonía de Beethoven completa".

Esto da una idea del lugar preponderante que ocupa Beethoven en la música académica, específicamente en el período romántico, aunque sus primeras obras se apegaban al período clásico.

En consecuencia, seleccionar lo mejor de Beethoven (1770-1827) no es tarea sencilla. Escogimos algunas de las más conocidas y otras muy apreciadas por los propios músicos, entre las cuales está el segundo movimiento de la Séptima Sinfonía.

La Fantasía Coral

Denominada Fantasía para Piano, Coro y Orquesta en Do, data de 1808, y estrenada en diciembre de ese año, con el autor como pianista, esta obra proclama una amplia libertad en las formas. El inicio está marcado por el lenguaje intimista del piano, que da paso gradualmente a vigorosos pasajes de la orquesta, para finalizar con el coro, anticipándose al soberbio cuarto movimiento de la novena sinfonía. Beethoven, que había considerado un final coral para su sexta sinfonía, la denominada Pastoral, estrenó esta fantasía para piano y coro junto con la quinta y la sexta sinfonías. Estaba entonces (a pesar de su sordera) en su madurez como compositor.

La versión siguiente de la Fantasía Coral, como también se le conoce, tiene como solista y Director a Daniel Barenboim.





Romace para Violín y Orquesta Nro. 2 en Fa Mayor




From the Church of St. Nicolai, Leipzig, Germany
Gewandhausorchester Leipzig
Soloist: Renaud Capuçon
Conductor: Kurt Masur

Séptima Sinfonía. 2do Movimiento. Allegretto.


Si bien no es la sinfonía más conocida de Beethoven, la séptima es muy apreciada por los entusiastas de este gran músico, específicamente por su segundo movimiento, un Allegretto con el que el compositor innova, pues tradicionalmente el segundo movimiento es un adagio o andante.

Elliot Gould, pianista y el célebre Leonard Berstein opinan que el allegretto es perfecto desde el punto de vista armónico; Liszt hizo una transcripción para piano de este movimiento; Franz Schubert se confesó "embrujado" por el tema principal del mismo y compuso un conjunto de variaciones para piano a cuatro manos.




Jacques Loussier, pianista, tiene también un CD de Jazz inspirado en el Allegretto (Allegretto from Symphony No. 7, Theme and Variations.) y afirma por cierto haberse sentido "embrujado" pues frecuentemente evoca el tema y lo silba constantemente por días. "Es uno de los temas más bellos e importantes de Beethoven"

Otras versiones del Allegretto

Oiga la versión de Liszt para piano, interpretada por Gould.

Oiga las variaciones del Allegretto de Robert Schumann, interpretadas por Tatiana Primak Khoury. (17 minutos).

Una versión en Jazz: Allegretto from Beethove´s 7th Symphony. Variation 8. Jacques Loussier Trio.

Beethoven's 7th, Movement 2, performed in a Cuban Rumba style, with all instruments created from the piano itself.
Sorprendente performance en tiempo de rumba cubana y una serie de instrumentos de percusión creados a partir del piano mismo.



Novena Sinfonía. Orquesta Sinfónica de Chicago. Riccardo Muti.




El musicólogo Joseph Kerman escribe acerca de Beethoven:

Una docena de años separan la terminación de las Sinfonías Octava y Novena de Beethoven. Durante ese intervalo escribió principalmente música de cámara, música para piano solo, canciones y la Missa Solemnis. Estableció el estilo íntimo de sus últimos años, que en muchos sentidos resulta antitético respecto de las grandes fuerzas orquestales (y respecto de los conciertos y de las óperas). 

La Novena Sinfonía, que reúne ciertas ideas con las que el autor había estado jugando a lo largo de toda su edad madura, vuelve la mirada hacia el período heroico intermedio pero lo hace a través del filtro de este estilo personal de los últimos años. Los primeros tres movimientos son, a su modo, tan extravertidos como la Quinta Sinfonía, mientras que el final coral se acerca a la pujanza de los conciertos y de la ópera Fidelio.

Ya en 1793 Beethoven había expresado su intención de componer un arreglo de la Oda a la Alegría de Schiller. En 1798 hizo un arreglo preliminar del texto de Schiller, como canción. En 1808 escribió la fantasía Coral, que llegó a ser una pieza de estudio del final de la Novena Sinfonía. En la fantasía, experimentó con una forma en la que el coro hace su entrada después de una sección orquestal ampliada. El tema del coro principal, que tomó de una canción que había compuesto en 1795, es muy similar a la melodía de la Alegría de la sinfonía. En 1812 se propuso realizar una sinfonía usando el texto de Schiller en el final. En 1815 apuntó las primeras notas de lo que iba a convertirse en el tema del scherzo de la Novena.

Beethoven continuó bosquejando la obra pero no se puso a trabajar en serio en ella hasta 1822. Todavía en el verano de 1823 planeaba un final completamente instrumental. El tema para ese rechazado movimiento se convirtió finalmente en la melodía principal del último movimiento del Cuarteto para Cuerdas en La menor, Opus 132. Una vez decidido por completo a adoptar el final coral, el compositor experimentó la mayor dificultad: cómo pasar de las partes instrumentales de la sinfonía al final coral. 

Beethoven elaboró muy bien las variaciones del tema Alegría antes de componer la introducción instrumental del final. Según su amigo Antón Schindler: 

Cuando llegó el desarrollo del cuarto movimiento, empezó allí una lucha tal como pocas veces se ha visto. El objetivo era encontrar una manera apropiada de introducir la Oda de Schiller. Un día, al entrar en la habitación, Beethoven exclamó: '¡Lo tengo, lo tengo!' Me mostró su cuaderno de notas con las palabras: '¡Cantemos la canción del inmortal Schiller!, después de lo cual un solo de voz comenzó directamente el himno a la alegría.

Debido a su sordera, Beethoven no pudo dirigir el estreno de su obra. Sin embargo, supervisó los ensayos. Airadamente se negó a aceptar las peticiones de los cantantes en el sentido de modificar la música para hacerla más fácil. Como sabían que no podía oír, ellos simplemente omitían las notas altas. El verdadero director dio instrucciones a los músicos para que no prestaran atención al compositor, en caso de que este comenzara a marcar el compás. 

Beethoven no podía oír el estreno pero lo siguió en una copia de la partitura, imaginando en su mente los sonidos que todos los demás escuchaban. Al final de la ejecución, él todavía estaba enfrascado en su partitura sin poder oír los aplausos. Uno de los solistas le tocó el brazo y le hizo girar para que pudiera ver las manos que aplaudían y los pañuelos que se agitaban en el aire. Entonces el compositor se inclinó y saludó a la audiencia. Pudiera o no la mayoría del público comprender esta música absolutamente original y, sin duda interpretada pobremente, muy pocos sin embargo habrán podido evitar conmoverse a la vista de este gran genio de la música agradeciendo aplausos que no podía oír así como no había podido oír la música que los motivaba.

domingo, 30 de julio de 2017

Flamenco y fusión: música de ida y vuelta

Todas las expresiones artísticas del Flamenco, incluyendo el cante, toque y baile, son producto de una  fusión de las manifestaciones folklóricas de Andalucía y otras regiones del sur de España con influencias árabes, hebreas y gitanas.

Tal vez por ese crisol que es el flamenco, ha sido tan natural su integración con otros géneros como el jazz y las diversas expresiones musicales latinoamericanas.

Queremos dejar algunas muestras de estas fusiones, apropiadamente representadas por cantantes como Martirio y Diego el Cigala, así como el excelente pianista Chano Domínguez, que demuestra junto a otro gigante, Paquito D'Rivera, cómo los buenos músicos derrochan virtuosismo cuando trabajan en colaboración.



1.- Martirio
Insensatez
Volver
En esta tarde gris
Quisiera amarte menos

2.- Diego El Cigala acompañado al piano por Bebo Valdés

3.- Chano Domínguez y Paquito de Rivera en Concierto

4.- Diego El Cigala. Cigala & Tango. Concierto Teatro Gran Rex de Buenos Aires

La canción de las 1500 versiones: Las hojas muertas

Joseph Kosma, músico húngaro, y Jacques Prévert, poeta francés,
autores de la canción Les Feuilles Mortes

Les feuilles mortes es el más importante estándar de jazz extranjero (creado fuera de los EE UU). La denominación de estándar se asigna a las melodías más populares, las más grabadas o versionadas por los grupos de jazz. Les feuilles mortes ha sido grabada cerca de 1.500 veces y está en la octava posición de la lista de las más grabadas, a 72 años de su creación.

Las hojas muertas ("Autumn Leaves" fue la traducción al inglés del título) era originalmente una melodía compuesta por Joseph Kosma en 1945 para un pas de deux (coreografía de un dúo) dentro del ballet Le Rendez-vous, con guión del poeta Jacques Prévert, quien luego le puso letra.

A pesar de su aparente sencillez, la melodía tiene vínculos con las técnicas de composición usadas en la música clásica, mientras que el poema de Prévert si bien es un canto nostálgico a los amores separados, deja una nota optimista: esos amores persisten  el recuerdo pero no como un lamento sobre los tiempos felices idos, puesto que el poeta los recuerda. Cuando habla de la canción que "es una canción que se nos parece", en presente, marca la intemporalidad de esos recuerdos.

La primera partitura publicada de Las Hojas
Muertas
 en 1946 hacía referencia
al film Las Puertas de la Noche

Otro aspecto importante es que esta canción demuestra un total compromiso de los intelectuales de la época con la música popular, sin las concepciones elitistas del arte tan comunes en la actualidad. Poetas de primera línea como Prévert interactuaban con músicos, escenógrafos y cantantes populares y escribían para ellos.

Las traducciones, lamentablemente no están a la altura del poema original; lo que ratifica el adagio italiano "Traduttori, tradittore", que puede traducirse libremente como "Todo traductor traiciona". En español, una traducción literal cambia el impacto de las imágenes que se evocan cuando se lee en francés.

En inglés, no hubo traducción, sino una reescritura completa de la letra que estuvo a cargo de Johnny Mercer, quien decidió centrarse en las hojas del otoño (Autumn Leaves, la llamó),  y sus colores cambiantes que evocan al ser amado.

Sin embargo, es esta versión en inglés la más conocida en el mundo y la que convirtió a Las Hojas Muertas en el estándar de Jazz de notoriedad global. Edith Piaf grabó una versión en francés y en inglés, donde usa las dos letras. Autumn Leaves es la versión que también cantaron Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Nat King Cole, Sarah Vaughan e innumerables vocalistas de jazz.

Yves Montand, a los 25 años en el film Les Portes de la Nuit (1946), canta la parte final de Les Feuilles Mortes:


br


En el siguiente video, Yves Montand, cantando la versión completa de Las Hojas Muertas en su concierto en el Olympia de París en 1068.





Les Feuilles Mortes (Kosma/Prevert)


Oh je voudrais tant que tu te souviennes
Des jours heureux où nous étions amis
En ce temps là, la vie était plus belle
Et le soleil plus brûlant qu'aujourd'hui
Les feuilles mortes se ramassent à la pelle
Tu vois je n'ai pas oublié
Les feuilles mortes se ramassent à la pelle
Les souvenirs et les regrets aussi
Et le vent du nord les emportet
Dans la nuit froide de l'oubli
Tu vois, je n'ai pas oublié
La chanson que tu me chantais

C'est une chanson, qui nous ressemble
Toi tu m'aimais, et je t'aimais
Et nous vivions tout les deux ensemble
Toi qui m'aimais, moi qui t'aimais
Mais la vie sépare ceux qui s'aiment
Tout doucement sans faire de bruit
Et la mer efface sur le sable
Le pas des amants désunis

C'est une chanson, qui nous ressemble
Toi tu m'aimais et je t'aimais
Et nous vivions, tous deux ensemble
Toi qui m'aimait, moi qui t'aimais
Mais la vie sépare ceux qui s'aime
Tout doucement sans faire de bruit
Et la mer efface sur le sable
Le pas des amants désunis.






Una notable versión en jazz con Chet Baker (trompet)a, Paul Desmond (alto sax), Hubert Laws (flauta), Bob James (piano), Ron Carter (bajo) and Steve Gadd (batería). -

Versión bilingüe de Edith Piaf






Dos gigantes, Sarah Vaughan (no canta sino que nos regala una sesión completa de scat) y Winton Marsalis (trompeta) se lucen improvisando sobre este popular tema. Marsalis merece una entrada aparte en este blog; es el único trompetista de jazz que ha ganado grammys tanto en música clásica, por su intervención en conciertos barrocos para trompeta, como en jazz.

miércoles, 12 de julio de 2017

Telemann, precursor del clasicismo

Georg Philipp Telemann nace en Magdeburgo el 14 de marzo de 1681 y muere en Hamburgo, a los 86 años en junio de 1767.

Nacido antes que Bach, Telemann muere cuando Haydn llegaba a su madurez y Mozart se preparaba para viajar a Italia. Su largo ciclo vital le permitió coincidir con el auge de la música barroca y de asistir a la transición hacia el período clásico, del cual Mozart y Haydn son genuinos representantes.

Su longevidad también explica una extensa producción musical que cubre todos los géneros de la época: 150 oratorios, casi 50 Pasiones, cantatas profanas, decenas de óperas, 120 suites para orquesta (Bach compuso cuatro) e inumerables piezas para clavecín, sonatas y conciertos.

« Bach = si menor, Telemann = do mayor », declaraba dos siglos más tarde el musicólogo Philipp Spitta, para resaltar el carácter extrovertido de su música, pero la preferencia de Telemann por la melodía de mayor dinamismo refleja también un carácter de vanguardia, que anunciaba el futuro clasicismo.




TAFELMUSIK / MUSICA DE MESA(COMPLETA)


I. Ouverture - Suite in E minor for two flutes, strings & b.c. TWV55:e1

1. Ouverture (Lentement-Vite-Lentement-Vite-Lentement­) 0:00
2. Rejouissance 8:55
3. Rondeau 13:10
4. Loure 15:40
5. Passepied 19:33
6. Air. Un peu vivement 22:33
7. Gigue 26:54

II. Quatuor in G major for flute, oboe, violin & b.c. TWV43:G2

1. Largo-Allegro-Largo 29:17
2. Vivace-Moderato-Vivace 32:38
3. Grave 39:36
4. Vivace 40:00

III. Concerto in A major for flute, violin, violoncello, strings & b.c. TWV53:A2

1. Largo 43:28
2. Allegro 48:01
3. Grazioso 56:46
4. Allegro 1:00:22

IV. Trio in E-flat major for two violins & b.c. TWV42:Es1

1. Affetuoso 1:09:48
2. Vivace 1:12:37
3. Grave 1:16:21
4. Allegro 1:19:15

V. Solo in B minor for flute & b.c. TWV41:h4

1. Cantabile 1:23:20
2. Allegro 1:25:55
3. Dolce 1:28:09
4. Allegro 1:30:56

VI. Conclusion in E minor for two strings & b.c. TWV50:5

1. Allegro 1:34:29


MUSICA AMPHION

Pieter-Jan Belder, conductor


Lo mejor de Telemann






Essercizii Musici
Part A (12 Solo sonatas)
1. Violin Sonata, TWV 41:F4
3. Flute Sonata, TWV 41:D9
5. Viola da Gamba Sonata, TWV 41:a6
7. Recorder Sonata, TWV 41:d4
9. Oboe Sonata, TWV 41:B6
11. Suite in C major, TWV 32:3
13. Violin Sonata, TWV 41:A6
15. Flute Sonata, TWV 41:G9
17. Viola da gamba Sonata, TWV 41:e5
19. Recorder Sonata, TWV 41:C5
21. Oboe Sonata, TWV 41:e6
23. Suite in C major, TWV 32:3

Part B (12 Trio sonatas)
2. Trio No.1 for Recorder, Oboe, Continuo, TWV 42:c2
4. Trio No.2 for Viola da gamba, Cembalo, Continuo, TWV 42:G6
6. Trio No.3 for Violin, Oboe, Continuo, TWV 42:g5
8. Trio No.4 for Flute, Cembalo, Continuo, TWV 42:A6
10. Trio No.5 for Violin, Recorder, Continuo, TWV 42:a4
12. Trio No.6 for Flute, Viola da gamba, Continuo, TWV 42:h4
14. Trio No.7 for Recorder, Viol, Continuo, TWV 42:F3
16. Trio No.8 for Recorder, Cembalo, Continuo, TWV 42:B4
18. Trio No.9 for Flute, Violin, Cello, Continuo, TWV 42:E4
20. Trio No.10 for Violin, Viola da gamba, Continuo, TWV 42:D9
22. Trio No.11 for Flute, Oboe, Continuo, TWV 42:d4
24. Trio No.12 for Oboe, Cembalo, Continuo, TWV 42:Es3

jueves, 29 de junio de 2017

Es una Leica, una Canon o una Sony? No! Es sólo un iPhone

Ya hemos diferenciado hasta la saciedad las cámaras de los smartphones (que han ganado bastante en rendimiento y calidad) y las cámaras profesionales. Si bien ningún entusiasta serio de la fotografía se va a conformar sólo con un smartphone para capturar su entorno, hay fotos tomadas con móviles que son muy notables. Hay un evento dedicado exclusivamente a evaluar y galardonar fotografías tomadas con el iPhone, los iPhone Photography Awards (IPPA) que publicaron recientemente los resultados del concurso 2017. Veamos los resultados.

IPPA 2017

Ganador del Gran Premio IPPAWARDS 2017
Sebastiano Tomada, Brooklyn, New York
iPhone 6S

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 Children of Qayyarah
“Niños recorren las calles de Qayyarah cerca del fuego y el humo de los pozos petroleros destruidos por militantes de ISIS.”


1er Lugar, Photographer of the Year
Brendan O Se, Cork, Ireland
  iPhone 6s

1er578
Dock Worker “Tomé esta foto en mi recorrido mañanero, muy temprano, por los muelles de Jakarta en Abril de 2016. Eran las manos de un estibador que estaba tomándose un reposo. Quedé impresionado con la textura creada por el sucio acumulado en sus manos".


    2do Lugar, Photographer of the Year Yeow-Kwang Yeo, Singapore iPhone 6 Plus

   3er
The Performer
“La Ópera china tradicional de calle es parte de su cultura. Desafortunadamente la generación joven en Singapur no está interesada en ella, luego la ópera de calles está despareciendo. En vez de fotografiar el espectáculo, decidí ir tras bastidores y me di cuenta de este performer que está tomando un corto receso y esperando su turno para actuar. Me atrajo la luz en la vieja cortina de plástico, el ventilador y la atmósfera de calma reinante".


3er lugar, Photographer of the Year 
Kuanglong Zhang. Shenzhen, China 
iPhone 7

3erlugar
The City Palace “Udaipur es una de las ciudades más románticas de la India. En el City Palace, capturé el momento en que uno de los empleados contemplaba a través de la ventana como si estuviera viendo el lento período histórico de construcción del Palacio".

jueves, 22 de junio de 2017

La noche boca arriba. Cuento de Julio Cortázar.

Soñar, ese proceso mental involuntario que nos sumerge en una realidad virtual formada por imágenes, sonidos, pensamientos y sensaciones derivados directamente de la memoria inmediata o anterior, es el recurso escogido por el autor para pasar de un plano a otro en este cuento.





La noche boca arriba


Julio Cortázar


Y salían en ciertas épocas a cazar enemigos;
 le llamaban la guerra florida.



A mitad del largo zaguán del hotel pensó que debía ser tarde y se apuró a salir a la calle y sacar la motocicleta del rincón donde el portero de al lado le permitía guardarla. En la joyería de la esquina vio que eran las nueve menos diez; llegaría con tiempo sobrado adonde iba. El sol se filtraba entre los altos edificios del centro, y él -porque para sí mismo, para ir pensando, no tenía nombre- montó en la máquina saboreando el paseo. La moto ronroneaba entre sus piernas, y un viento fresco le chicoteaba los pantalones.

Dejó pasar los ministerios (el rosa, el blanco) y la serie de comercios con brillantes vitrinas de la calle Central. Ahora entraba en la parte más agradable del trayecto, el verdadero paseo: una calle larga, bordeada de árboles, con poco tráfico y amplias villas que dejaban venir los jardines hasta las aceras, apenas demarcadas por setos bajos. Quizá algo distraído, pero corriendo por la derecha como correspondía, se dejó llevar por la tersura, por la leve crispación de ese día apenas empezado. Tal vez su involuntario relajamiento le impidió prevenir el accidente. Cuando vio que la mujer parada en la esquina se lanzaba a la calzada a pesar de las luces verdes, ya era tarde para las soluciones fáciles. Frenó con el pie y con la mano, desviándose a la izquierda; oyó el grito de la mujer, y junto con el choque perdió la visión. Fue como dormirse de golpe.

Volvió bruscamente del desmayo. Cuatro o cinco hombres jóvenes lo estaban sacando de debajo de la moto. Sentía gusto a sal y sangre, le dolía una rodilla y cuando lo alzaron gritó, porque no podía soportar la presión en el brazo derecho. Voces que no parecían pertenecer a las caras suspendidas sobre él, lo alentaban con bromas y seguridades. Su único alivio fue oír la confirmación de que había estado en su derecho al cruzar la esquina. Preguntó por la mujer, tratando de dominar la náusea que le ganaba la garganta. Mientras lo llevaban boca arriba hasta una farmacia próxima, supo que la causante del accidente no tenía más que rasguños en la piernas. “Usté la agarró apenas, pero el golpe le hizo saltar la máquina de costado…”; Opiniones, recuerdos, despacio, éntrenlo de espaldas, así va bien, y alguien con guardapolvo dándole de beber un trago que lo alivió en la penumbra de una pequeña farmacia de barrio.


Continúe leyendo. Vaya a la página con el cuento completo.

John McLaughlin, Paco DeLucia, Al DiMeola

John McLaughlin, Paco DeLucia, Al DiMeola - Friday Night in San Francisco (Full Album ) 1981


Friday Night In San Francisco es un álbum publicado por el trío de guitarras formado por tres gigantes de este instrumento: Al Di Meola, John McLaughlin y Paco de Lucía. Fue grabado en San Francisco el viernes 5 de diciembre de 1980 en el Warfield Theatre.

Suelto y espontáneo, este álbuem reúne a tres de los más grandes guitarristas en una cumbre acústica exclusiva e irrepetible pues los tres están en el tope de sus habilidades tanto como ejecutantes como en la habilidad para improvisar.

En la primera pista  Al di Meola y Paco de Lucía hacen un dueto para interpretar un potpourri de la melodía de di Meola "Mediterranean Sundance" (grabada por primera vez por ellos dos en el clásico álbum de di Meola's Elegant Gypsy) y la pieza de de Lucía "Rio Ancho." La digitación de algunos pasajes es tan vertiginosa que fue calificada por un crítico como "inhumana".

Uno de los elementos distintivos de este primer dúo, es que los guitarristas evidentemente dan lo mejor de sí cuando acompañan al solista, pero van más allá de melodías armónicas; cuando emprenden pasajes de percusión, puro ritmo atonal como imitando la caja de percusión flamenca. El mismo recurso lo emplean di Meola y John McLaughlin's cuandp interpretan la pieza de Chick Corea's "Short Tales of the Black Forest."

La únca pieza que no pertenece al concierto en vivo es "Guardian Angel" (inspirada en la melodía homónima que aparece en el disco de McLaughlin de 1978 Electric Dreams). La melodía es de una rara belleza y tiene uno de los mejores solos del album.




Tracks: 

Mediterranean Sundance/Rio Ancho
Short Tales of the Black Forest
Frevo Rasgado
Fantasia Suite
Guardian Angel

Paco de Lucía, John Mclaughlin, al di Meola. The Guitar Trio. 1996.

El flamenco no es una pieza improvisada ahí todo está ensayado, cada falseta, cada paso de baile, aunque pueda parecer espontáneo se basa en una concienzuda preparación.

Los flamencos no son amigos de la improvisación en sus actuaciones ante el público, solo el baile deja un pequeño hueco, pero en el cante y, sobre todo la guitarra, no hay sitio para la improvisación.

Esto es algo que sabe bien Paco de Lucía, que se preocupó de aprender los trucos de la improvisación para ponerlos en práctica, primero junto a McLaughlin y Di Meola y después en su propia música.

En una entrevista que Paco de Lucía concedió a Miriam Davison declaraba a este respecto: “Yo pensé que la mejor forma de aprender era reuniéndome con músicos, por ejemplo de jazz, que es gente muy a la vanguardia armónicamente. Como siempre fui curioso e inquieto… yo nunca pretendí dejar de ser un flamenco ni dedicarme a tocar jazz ni nada de eso, yo iba con la idea muy clara de que iba a aprender para luego traerlo de nuevo a mi flamenco y tratar de crecer de alguna manera”.



Tracks

00:00 La estiba
05:50 Beyond the miracle
12:00 Midsummer night
16:37 Manhã de carnaval
22:52 Letter from india
26:47 Espiritu
32:17 Le monastere dans le montagne
38:32 Azzura
46:30 Cardeosa

Quince años antes de esta grabación habían hecho Friday Night In San Francisco 1980, grabado en vivo se convirtió en un clásico en jazz entonces. The Guitar Trio se grabó en los estudios de Peter Gabriel Real World.

Es un álbum, en contraste con el anterior, más introspectivo, más reflexionado, aunque tienen en común el enorme número de notas por segundo. La declaración del virtuosismo es muy similar a la que caracteriza en general este exitoso experimento.

A excepción de Manha de Carnaval el resto de los números corresponden al repertorio particular de cada uno de los guitarristas. Ninguno de los tres se alza como líder, cada uno tiene su papel y los solo están bien distribuidos, a fin de que no destaque un por encima de los otros, siguiendo un estricto turno para realizarlos, mientras los otros realizan el acompañamiento.

Se trata de una conversación entre tres buenos amigos que se conocen a la perfección. En este sentido, Paco afirma: “En mis trabajos con Larry Coryell, John McLaughlin o Al Di Meola la música no era flamenco ni jazz, era un fusión de músicos que no de músicas”.